“Autoritratto allo specchio: fragilità’”

Marco Balbi Dipalma

Video scultura olografica 4k | 16:9 | loop | datamoshing| colore | nno suono | durata 1:46
2024

Percepire la fisicità, non solo come dimensione materiale, ma come un vero e proprio linguaggio fatto di scorci e fessure, mette in rilievi la sua entità ambivalente sospesa tra presenza e assenza. Proprio nell’indagare l’ambito esistenziale e psicologico degli esseri umani Marco Balbi Dipalma intesse esperienze di carattere autobiografico, esplorando il dolore come fonte di conoscenza e il potere di trasformare le relazioni e la spiritualità. Nella video scultura Autoritratto allo specchio: Fragilità l’artista mette in scena sé stesso in cui l’ioriflesso non è solo un doppio fisico, ma si trasforma in un Io che si apre all’essere dell’altro: lo specchio diventa così un mezzo di scoperta e interrogazione dell’identità. Non si tratta solo di esplorazione dell’ego, ma di un’indagine sulla fragilità condivisa, in una continua relazione tra identità e alterità.

Elena Sillitti | Curatrice

“Potnia Theròn Phoenicopteri”

Federica Barcellona

Foto, manipolazione, Intelligenza artificiale
cm 80x60
2024

Carta Hahnemühle William Turner 100% cotone, bianca, realizzata a macchina in tondo.
Edizione di 5 Certificato di autenticità Hahnemühle realizzato su carta filigranata, con due timbri olografici numerati.
Totale assenza di sbiancanti ottici (OBA) e priva di acidi. Spray protettivo Hahnemühle protegge le stampe dagli agenti esterni, dai raggi UV e riduce il rischio di impronte digitali e graffi, senza compromettere la qualità visiva e senza alterare la superficie.

Le Potnia sono un richiamo a ciò che è stato e continua ad essere, un varco aperto su un immaginario che sopravvive nei recessi della coscienza, che continua a pulsare nel contemporaneo, un richiamo a ciò che è stato e continua ad essere, attraverso il corpo, la memoria e il rito.
Dal greco, Potnia significa signora. Ciò evoca il divino femminile. Le Potnie erano considerate Dee perché avevano potere sugli animali. Esiste un legame tra la terra e ogni donna, la Madre.
Le Potnie mostrano alle donne il loro femminile interiore, dove vive il loro valore individuale.
Questa visione apre una finestra sulle relazioni umane, a partire dall’archetipo naturale della famiglia. Mostra come gli esseri femminili possano passare dalla fragilità al potere. Il loro potere è incompreso e temuto in una società patriarcale.

"Anonima Sintesi"

Marco Bernini

Opera grafica
50x70 cm
2025

Descrizione Viviamo in un’epoca in cui l’identità è costantemente monitorata, registrata e decifrata dagli algoritmi. Il controllo digitale si insinua nella quotidianità, rendendo l’anonimato un atto di resistenza. Anonima Sintesi è un’esplorazione visiva di questa tensione, un tentativo di sfuggire all’occhio della sorveglianza e dissolvere i confini imposti dall’intelligenza artificiale. Figure mascherate emergono da un paesaggio ibrido, volti cancellati dal bianco assoluto, privi di tratti riconoscibili. Il loro anonimato è una forma di ribellione: senza identità visibile, sfuggono alla categorizzazione algoritmica. L’immagine si scompone e si ricompone in un flusso inarrestabile, una sintesi mutevole che nega l’inquadramento e il riconoscimento. L’opera invita a una riflessione: è possibile sottrarsi al controllo tecnologico? L’anonimato è una protezione o una nuova forma di invisibilità imposta? Anonima Sintesi si pone come un’interferenza nell’ordine digitale, un interrogativo sulla libertà dell’individuo nell’era della sorveglianza globale. Anonima Sintesi.

“Mare Nostrum”

Roberta Buccellati

Riporto fotografico ad acqua, tempera acrilica ed acquerello
cm 50 di diametro
2021

L’opera è un tondo suddiviso in due sezioni: nella parte superiore il mare appare calmo e immobile, simbolo di speranza e promessa di una umanità conservata. Nella parte inferiore, lo stesso mare è agitato, con pennellate turbolente che richiamano il caos e la disperazione. Al centro del tondo, una croce formata dalla trasposizione fotografica ad acqua di un osso di seppia è affiancata da un doppio ritratto speculare di uno dei giovani migranti deceduti. Il ritratto, riflesso in modo irrisolto, evoca la frattura tra ciò che avrebbe potuto essere e ciò che è stato perso. La scelta del tondo non è casuale: richiama la perfezione e l’eternità, in netto contrasto con la finitezza della vita spezzata. La croce al centro, formata dall’osso di seppia – elemento naturale legato al mare – diventa un simbolo universale di sacrificio e redenzione. I ritratti speculari del giovane, la cui identità è stata recuperata attraverso frammenti digitali, rappresentano un “dono postumo” di riconoscimento a una vita altrimenti dispersa nell’oblio del Mediterraneo. Il mare, che doveva essere un mezzo di salvezza, si trasforma qui nel simbolo dell’inerzia delle nazioni, incapaci di rispondere alle richieste di soccorso, diventa il luogo della perdita di identità e umanità.

www.rbuccellati.it

“Caderno 2 – Experiências da efervescência do pensamento alado” #1 ao #10 - “Quaderno 2 – Esperienze dell’effervescenza del pensiero alato” #1 a #10

Ricardo Cardoso

Tecnica mista su carta
cm 80x50
2023

Il quaderno 2 è composto da 10 disegni in cui propongo all'osservatore un viaggio attraverso i miei paesaggi immaginari, composti da luoghi che popolano la mia mente e che cerco di congelare quando realizzo questi disegni.

Questo esercizio è una sorta di catarsi in cui l'artista si libera da questi pensieri rendendoli visibili e udibili, come in questa canzone "Ad Infinitum" di Ricardo Dias dos Santos e l'artista visivo Ricardo Cardoso che incontra il multiverso del 4, ricreando un viaggio in 3 dimensioni tra il microcosmo, il Sé e il Macrocosmo. Ricardo Cardoso, artista visivo portoghese e autore dell'opera “Paisagens Aladas com Efervescência do Pensamento”, dà voce e anima alle proprie parole e sentimenti.

https://www.youtube.com/watch?v=ioUArjpiOHQ&list=LL&index=9

Senza Titolo

Claudio Fagiani

Grafica con AI e stampa su tela in cotone con cornice interna
80x80 cm
2025

Senza titolo

Gianluca Fazzino in arte Fazz

Tecnica mista
45x55 cm
2024

Le mie opere esplorano il confine tra materia, simbolo e pensiero. Attraverso un approccio informale e sperimentale, utilizzo la scrittura come elemento visivo che va oltre la descrizione, trasformandosi in un linguaggio universale capace di evocare sensazioni e riflessioni profonde.

I simboli si mescolano con la materia pittorica in un dialogo continuo tra forma e significato, in cui ogni gesto si carica di intenzionalità e ogni segno diventa una traccia del pensiero, un’indagine sulla comunicazione e sull’essenza della scrittura stessa. La superficie delle opere si presenta come un palinsesto in cui si sovrappongono livelli di colore, texture e significati, suggerendo un mondo in costante evoluzione e trasformazione.

Il mio lavoro invita l’osservatore a perdersi nella complessità del segno, a leggere oltre ciò che è visibile, lasciandosi coinvolgere in un’esperienza che supera il puro aspetto visivo per entrare in una dimensione concettuale e meditativa.

"Passeggiata al sole"

Michele Ferrara

Espressionismo contemporaneo/Arte concettuale
Acrilico su tela
70x50 cm
2022

Il dipinto presenta un volto a metà tra il realismo e la dissoluzione, dove il contrasto tra la precisione del bianco e nero e la matericità sfumata della parte colorata suggerisce il concetto di impermanenza. La trasformazione visiva del soggetto evoca il fluire del tempo, la mutevolezza dell’identità e il continuo cambiamento della realtà. La parte destrutturata sembra fondersi con lo sfondo, quasi a simboleggiare la natura effimera dell’esistenza. Firma: Presente in basso a sinistra, con il nome “Marta” e la data “21/01/22”. Interpretazione: Il titolo “Passeggiata al sole” suggerisce un’idea di movimento e transitorietà. La luce del sole è in costante mutamento, così come le ombre che essa genera, e questo si riflette nel volto che sembra dissolversi e trasformarsi. L’opera diventa una riflessione sulla fluidità delle cose: nulla è statico, tutto è soggetto a cambiamento, proprio come l’identità, i ricordi e le emozioni che ci attraversano.

"Fate brillare i vostri caveau"

Chiara Gennaro

Tecnica china su carta di cotone
50x70 cm
2025

In quest’opera ho voluto rompere drasticamente con il mio linguaggio visivo precedente: è stato un lavoro durissimo, perché ho dovuto scardinare il mio sentire per aprire lo sguardo verso orizzonti completamente nuovi. Al centro ho posto il corpo umano, richiamando l’anatomia settecentesca e rendendola contemporanea grazie alla mia grafia a china, netta e incisiva. Ne emerge l’insofferenza di un individuo che subisce passivamente le ingiustizie della storia, prigioniero di schemi antichi e incapace di ribellarsi, in un’esistenza per sua stessa natura breve, in cui il cuore viene relegato a semplice spettatore.
Ho voluto anche denunciare l’assurdità dei caveau d’arte sparsi per il mondo: custodi di opere meravigliose ma inaccessibili, che rendono inesistente il legame più autentico tra l’uomo e l’arte. Con questa installazione lancio un monito: l’arte non si contempla con gli occhi, ma si legge con il cuore, così come la vita di ogni persona si comprende solo lasciando vibrare le emozioni e aprendo il proprio centro.

"Black Sherwood, Humanoid" - "Black Sherwood, Tree"

Piergiorgio Grasso

Tecnica mista e manipolazione digitale
60X60 cm
2025

L'opera rappresenta una foresta fitta e oscura, alla base della quale emerge una figura umanoide, un essere ibrido in cui convivono elementi umani e tecnologici. Questo essere, avvolto in una sorta di corazza, possiede tuttavia un cuore umano pulsante, ben visibile. Dal centro di questo cuore, si propaga una linea astratta di colore rosso, un elemento che si innalza nel cielo, trasformandosi in una sorta di aquilone astratto e colorato.
L'opera riflette sulla condizione umana nell’era della tecnologia, evidenziando il contrasto tra il buio della foresta e la luce vibrante degli aquiloni. Questa dicotomia simboleggia la tensione tra la crescente disumanizzazione e la possibilità di riconnettersi alla propria essenza autentica. Immerso sempre più nella tecnologia, l’essere umano rischia di smarrire l’empatia, la dolcezza e la sensibilità. Eppure, nel suo petto batte ancora un cuore vivo, da cui si sprigiona la forza creativa e l’emozione, rappresentate dagli aquiloni colorati che si innalzano nel cielo. L’opera non si pone in opposizione alla tecnologia, ma invita a una riflessione sull’equilibrio: l’innovazione può essere un’opportunità di crescita e miglioramento, purché venga integrata in armonia con i valori umani fondamentali. È un’esortazione a trasformarsi senza perdere ciò che rende l’uomo capace di provare emozioni profonde, affinché il progresso non significhi l’annullamento della propria umanità.

www.porigeri.com

"Le Spose di Darwin"

Carla Iacono

100x70
2025

Il progetto Le Spose di Darwin è un omaggio alla moglie di Charles Darwin, Emma Wedgwood, e, al contempo, un elogio della differenza come motore propulsivo di crescita sociale e culturale.

Emma Wedgwood Darwin, nonostante una fede rigorosa, rispettò sempre la posizione agnostica e le teorie scientifiche di Charles. Non lo ostacolò mai nel suo lavoro, convinta delle buone intenzioni e dell’onestà intellettuale del marito; anzi, ebbe un ruolo fondamentale in quanto lo supportò ed incoraggiò nella pubblicazione de L’origine delle specie.

Emma Wedgwood e Charles Darwin sono quindi un illustre esempio di come le differenze, anche estreme, possano convivere in modo armonico e completarsi a vicenda.

Le protagoniste di Le spose di Darwin sono figure scannerizzate da libri di “anatomia animata”, popolari alla fine dell’Ottocento e, come nel gioco delle bambole di carta, sono vestite con “accessori” tratti dal mondo naturalistico, in combinazioni sempre differenti e colorate, trasformandosi esse stesse in simboli di armoniosa diversità e di quella “scelta femminile” che Darwin considerava il meccanismo di propulsione della selezione naturale.

Le Spose di Darwin sono così al contempo un “divertissement” giocoso e un elogio della differenza.

Ma poiché le diversità, purtroppo, continuano a scatenare intolleranze e violenze, i bersagli di carta usati, inseriti in background nei collage, ci ricordano che non dobbiamo mai smettere di indignarci per le discriminazioni, qualunque esse siano, perché, oltre ad essere un grave sopruso ai singoli, ci feriscono e offendono tutti, insidiando la crescita civile e la democrazia.

Maria Mandinga

Serie: Rivoluzionario Passo Zero
Tecnica: fotografia, fotomanipolazione e disegno digitali
Stampa Fineart su carta cotone + pannello e cornice

Misure 50x75 cm
Tiratura: 1 di 9 + II p.a.

Maria Mandinga si ispira alla protagonista del romanzo Dell’amore e di altri demoni di Gabriel Garcìa Màrquez.

Sierva Marìa è una bambina di dodici anni, figlia di nobili nella Cartagena colombiana dell’età coloniale, ma cresciuta principalmente tra gli schiavi della casa, assorbendo la loro cultura, lingua e credenze religiose afrocubane piuttosto che quelle dell’aristocrazia spagnola. Morsa da un cane rabbioso, e sebbene guarita, viene emarginata dalla società e dalla famiglia in quanto sospettata di possessione demoniaca, quindi costretta alla clausura e a dolorosi esorcismi.

Ribattezzatasi con il suo nome da nera Maria Mandinga, Sierva Marìa è al centro di conflitti e vorticose correnti opposte, nel cui occhio di ciclone rimane imperscrutabile, fiera e inscalfibile. Culturalmente ibrida e spiritualmente non ortodossa, un essere liminale, che non appartiene completamente a nessuno dei due mondi che attraversa, è un personaggio profondamente tragico: ciò che per lei è sacro viene visto dagli altri come demoniaco.

Maria Mandinga incarna quindi da un lato la vittima innocente di una società decadente perché chiusa, che teme e non tollera la diversità; dall'altro la forza indomita, di statura quasi mitologica, di chi rifiuta di seguire nient’altro che la propria strada.

www.giusilorelliart.com

"Abitare dentro"

Manuela Muzzone

Acrilico su tela
80 x 100 cm
2025

Quest’opera nasce dall’intento di esplorare le radici dell’identità, il senso di appartenenza e il concetto di casa. La composizione è divisa tra astrazione e figurazione, rispecchiando la dualità e la complessità del nostro rapporto con ciò che definiamo “origine”. La parte astratta rappresenta la confusione e il caos interiore, una dimensione intangibile dove le memorie, i legami e le emozioni si intrecciano in modo indistinto. La parte figurativa, invece, è un’ancora visiva: elementi riconoscibili che evocano frammenti o momenti che portiamo dentro di noi, a volte nitidi, altre volte sfuggenti. La frase interrogativa, posta in alto a sinistra, agisce come un ponte tra queste due dimensioni, un invito a riflettere sul significato del ritorno. La casa non è necessariamente un luogo fisico, ma piuttosto uno stato d’animo, una condizione di autenticità. Lo spettatore è invitato a ragionare sul concetto di radici in senso ampio: non più qualcosa di statico e legato a una terra o a una cultura, ma un intreccio dinamico di esperienze e relazioni. Oggi più che mai, siamo immersi nel vortice della mescolanza, dove tutto è connessione. Le identità si contaminano, si trasformano, e questo movimento continuo ridefinisce il significato stesso di appartenenza. L’opera suggerisce che probabilmente la vera “casa” non è un luogo fisico, ma qualcosa che risiede dentro di noi, ovunque ci troviamo. Lontano da risposte definitive, Abitare dentro lascia spazio al mistero, invitando ciascuno a intraprendere un viaggio interiore per scoprire il proprio senso di origine, in bilico tra il dentro e il fuori, il passato e il presente, il noto e l’ignoto.

www.manuelamuzzone.com

“Swahili”

Paolo Lorenzo Parisi

Sculture in plexiglass
cm 15x15x90
cm 14x13x60
2025

Le sculture intitolate “Pesce” (Swahili) incarnano la poetica di Paolo Lorenzo Parisi, da sempre attento a trasformare un’immagine seducente in strumento di denuncia e memoria. Il richiamo al Mediterraneo – crocevia di migrazioni drammatiche – è un tema ricorrente nella sua ricerca fin dagli anni ’90 (da Ho visto Moby Dick, 1998, a Balcani, 1999, fino a Il pesce di Gaza, 2011).
In questi nuovi allestimenti in plexiglass, materiale simbolo dell’era industriale, l’artista sintetizza le esperienze precedenti in un progetto in continua evoluzione. Il plexiglass rivela la manipolazione delle dinamiche sociali contemporanee, innescando un cortocircuito vitale tra forma estetica e contenuto politico.
La purezza formale delle silhouette marine riprende i disegni iniziali degli anni ’90, ma li trasforma in oggetti apparentemente decorativi: è proprio questa “plastificazione” a diventare presa di posizione, memoria collettiva e invito a riflettere sulle contraddizioni del nostro tempo.

“Blondi & Barney”

Paolo Lorenzo Parisi

Scatola cilindrica in alluminio con etichetta di carta  stampata a colori
10x17 cm
2006

Come sempre nella sua poetica, Paolo Lorenzo Parisi, inserisce memoria e attualità con piglio apparentemente ironico.
Attento allo spazio proposto cerca una visibilità non solo estetica, ma stimolante per le risposte del pubblico alla sua domanda.

"Il Fiume"

Laura Pedizzi

Acrilici e matite su tavola di legno
50x50 cm
2024

Un paesaggio indistinto, senza confini, pone l'accento sui soli gesti del soggetto: non è figura di questo mondo, si trova al di là del reale, nell'immaginario, nel ricordo e nelle suggestioni dei sogni. Parla con gesti, racconta suoni lontani, il fluire dell'acqua di un Fiume, dove il tempo appare circolare e suggerisce un senso più ampio del nostro vivere quotidiano, dove il ritmo del giorno ci riporta alla nostra infanzia, ai lunghi giochi, alla contemplazione. C'è la solitaria ricerca di sé e il meditabondo momento di osservazione quasi ipnotica di una realtà immobile; c'è l'esplorazione attraverso i gesti e il viaggio che inizia da un'idea astratta e si costruisce tutti i giorni con ogni singolo movimento o distratta azione, in un infinito specchio delle nostre identità.

Restos de una civilización inexistente

Vito Pietroburgo

Acrilico su tela
100x70 cm
2025

“M o l e c o l e”

Francesca Traverso

Fotografia

13x18 cm cadauna

2020

Testi in formato cartolina che accompagnano le foto
Poesie, spazi di intimità nel tempo
partendo dal testo di Antonio Newiller
Chiamo Evelina
un verde sogno sotto le foglie
il sogno
del bambino nudo
addormentato sul prato
dalla raccolta " non ho tempo e serve tempo"
per salvarci dal consumo della presenza
ci accingiamo alla soglia della intimità del presente silenzioso
temendo e tremando
nello scandalo dell'incontro